Habría escrito un poema diferente,
pero, al detenerme un momento en mi jardín sin desbrozar,
sentí, súbitamente, el paraíso descendiendo en el sol de la mañana
filtrado entre las hojas,
iluminando el suelo exiguo de Londres, tocando con verde
transparencia las células de la vida.
El mirlo bajó de un brinco, vinieron el gorrión y el petirrojo,
y el tordo, cuyo nido, a buen seguro, está oculto
en algún sitio, entre edificios invasores
de muros que asedian,
mas para los pájaros de ciudad inagotables aguas vivas
colman una taza de piedra desde un caño de jardín.
Me digo que pronto será hora
de volver a la casa, al quehacer diario,
pero aquí el tiempo ni viene ni se va.
No se apresuran los pájaros, su día
ni comienza ni termina.
¿Qué me impide quedarme? Por qué dejar
este estado, donde siempre se es,
y sólo el tiempo nos desprende
de este sencillo lugar oculto, siempre presente.
(De The Presence (1987), p. 285)
Habría escrito... Por Kathleen Raine, de The Collected Poems of Kathleen Raine.
Así, la poesía no era palabras en una página, sino pájaros en el aire, en el crepúsculo, contra el viento en el aire alto y azul; era árboles, era piedras y manantiales, una faz mudable de cosas que comunicaban un conocimiento que las palabras sólo pueden representar o evocar remotamente.
Danny Boyle (n. Radcliffe, Gran Mánchester; 20 de octubre de 1956) es un director y productor de cine inglés, hijo de emigrantes irlandeses católicos. Dirigió los filmes Shallow Grave (1994), Trainspotting (1996), A Life Less Ordinary (1997), La playa (2000), 28 días después (2002), Millones (2004), Sunshine (2007), Slumdog Millionaire (2008), 127 horas (2010), Trance (2013) y Steve Jobs (2015). Slumdog Millionaire le valió una estatuilla al mejor director en la 81ª entrega de los Premios Óscar.
Trainspotting es una película británica de 1996 dirigida por Danny Boyle y basada en la novela homónima escrita por Irvine Welsh. Narra la punzante historia de un grupo de jóvenes heroinómanos de los suburbios de clase baja de Edimburgo, quienes no tienen aspiración alguna por la vida salvo drogarse o conseguir dinero sucio. El único que aparenta poder escapar de este destino autodestructivo es su protagonista, Mark Renton. Tiene una secuela llamada T2: Trainspotting, estrenada en 2017.
Título original: Trainspotting
Año: 1996
Duración: 90 min.
País: Reino Unido
Director: Danny Boyle
Guion: John Hodge (Novela: Irvine Welsh)
Reparto: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner,
Kelly MacDonald, Kevin McKidd,
Peter Mullan, James Cosmo, Eileen Nicholas, Susan Vidler, Pauline Lynch
Género: Drama / Drogas. Comedia dramática. Película de culto
Premios
1996: Nominada al Oscar: mejor guion adaptado
1995: Premios BAFTA: Mejor guión adaptado. Nominada a mejor
film británico
1996: Satellite Awards: 3 nominaciones incluyendo Mejor
película drama
1996: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película
extranjera
Mark Renton, un joven escocés de Edimburgo, y sus amigos son adictos a la heroína, lo que significa que viven fuera de la realidad, en un mundo aparte. Dentro del grupo hay un psicópata alcohólico y violento, un joven desesperado, un mujeriego con un conocimiento enciclopédico sobre Sean Connery y un entusiasta de las caminatas y de Iggy Pop. (FILMAFFINITY)
Trainspotting nos retrata una generación dependiente de los tópicos modernos durante los 70 y 80. La vida de estos chicos adictos a la heroína. que se ven envueltos en muchos problemas, Mark, el protagonista, se verá en la encrucijada de seguir en este mundo que lo puede llevar a la muerte, o, cambiar y hacer algo con su vida. La película toca diversos temas de manera cruda, dependencia a las drogas y otros vicios, muerte, amistad, traición, familia, etc.
"Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige la salud, colesterol bajo y seguros dentales. Elige pagar hipotecas a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver tele-concursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida... ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: yo elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?". Mark Renton.
"Me lo he justificado a mí mismo de todas las maneras. Que no era para tanto, solo una pequeña traición, o que nuestras vidas habían ido por caminos cada vez más distintos, ese tipo de cosas. Pero afrontémoslo, le di el palo a mis supuestos colegas. A mí Begbie me importaba una mierda, y Sick Boy, él me habría hecho lo mismo si se le hubiese ocurrido primero, y Spud, bueno, vale, lo sentí por Spud, él nunca le hizo daño a nadie. Entonces, ¿por qué lo hice?. Podría ofreceros un millón de respuestas, todas falsas. Lo cierto es que soy una mala persona, pero eso va a cambiar, yo voy a cambiar. Es la última vez que hago algo así. Ahora voy a reformarme y dejar esto atrás, ir por el buen camino y elegir la vida. Estoy deseándolo, voy a ser igual que vosotros. El trabajo, la familia, el televisor grande que te cagas, la lavadora, el coche, el equipo de compact disc y el abrelatas eléctrico, buena salud, colesterol bajo, seguro dental, hipoteca, piso piloto, ropa deportiva, traje de marca, bricolaje, teleconcursos, comida basura, niños, paseos por el parque, jornada de nueve a cinco, jugar bien al golf, lavar el coche, jerseys elegantes, navidades en familia, planes de pensiones, desgravación fiscal... ir tirando mirando hacia delante hasta el día en que la palmes." Mark Renton, monólogo final de la película.
T2: Trainspotting es una película británica de 2017 del género de drama, comedia y crimen, dirigida por Danny Boyle y con guion de John Hodge, basada en la novela escrita por Irvine Welsh y secuela de Trainspotting, estrenada en 1996.2 La película está protagonizada por Ewan McGregor, Ewen Bremner, Jonny Lee Miller, y Robert Carlyle quienes retoman sus papeles originales de la primera película.
Después de 20 años de la historia original, contada en Trainspotting, Mark Renton (Ewan McGregor) vuelve a Escocia a enmendar a sus amigos, Daniel "Spud" Murphy (Ewen Bremner) y Simon "Sick Boy" Williamson (Jonny Lee Miller), y el siempre problemático Francis "Franco" Begbie (Robert Carlyle), quien acaba de escapar de prisión.
Otros viejos amigos también le esperan: pena, fracaso, alegría, venganza, odio, amistad, amor, deseo, miedo, remordimiento, diamorfina, autodestrucción y peligro mortal, todos ellos alineados para darle la bienvenida, preparados para unirse al baile.
Monólogo actualizado: Elige la vida. Elige Facebook, Twitter, Instagram y reza por que a alguien, en alguna parte, le importe... Elige desenterrar viejas relaciones, deseando que las cosas hubieran sido diferentes. Elige ver cómo la historia se repite. Elige tu futuro. Elige el reality TV, tildar de putas, porno de revancha. Elige un contrato de cero horas, un viaje al trabajo de 2 horas... y elige lo mismo para tus hijos, sólo que peor, y ahoga el dolor con una dosis desconocida de una droga desconocida hecha en la cocina de un desconocido. Y luego... intenta respirar profundamente... Eres un adicto, así que sé adicto. Sólo sé adicto a algo más. Elige a los que quieres. Elige tu futuro. Elige la vida.
Título original: T2: Trainspotting
Año: 2017
Duración: 117 min.
País: Reino Unido
Director: Danny Boyle
Guion: John Hodge (Novela: Irvine Welsh)
Reparto: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh
Género: Drama / Amistad. Drogas. Comedia dramática. Secuela
Alejandro Jodorowsky Prullansky (Tocopilla, 17 de febrero de 1929) es un artista franco-chileno, de ascendencia judío-ucraniana, naturalizado francés en 1980. Entre sus múltiples facetas destacan las de escritor y director de cine. Escribe indistintamente en español y en francés, -sus libros, sus cómics y algunos ensayos -por lo que, siguiendo el concepto de George Steiner, se puede considerar un escritor extraterritorial. También es el creador de la psicomagia, es una técnica que pretende servir de sanación espiritual.
Santa sangre es una película mexicana de 1989 escrita y dirigida por Alejandro Jodorowsky. El film es famoso por su recargada mezcla de simbología mágica, referencias psicoanalíticas y profundo tono místico.
Narra algunos episodios de la adolescencia y edad adulta de Fénix y su relación con su madre Concha y su padre Orgo, todos una familia dedicada al espectáculo circense. Cuando era pequeño, Fénix vivía en un circo del que su padre era el dueño (además del lanzador de cuchillos). Concha era la sacerdotisa de una iglesia que veneraba como santa a una niña cuyos brazos le fueron arrancados mientras la violaban. La llegada de una mujer tatuada al circo (junto a su protegida, la equilibrista sordomuda Alma) y las infidelidades que el padre de Fénix protagoniza en su compañía, aunadas al derribo de la iglesia de Concha, acaban con la paciencia de la mujer, quien ataca a su marido y es mutilada por éste, que se suicida delante de Fénix poco después. Ahora, Fénix es un joven recluido en un psiquiátrico.
Título: Santa sangre
Dirección y guión: Alejandro Jodorowsky
Protagonistas: Axel Jodorowsky, Blanca Guerra, Guy Stockwell
La película comienza con Fénix recluido en un hospital psiquiátrico debido a los traumas que sufrió en su niñez. Logra escaparse del hospital, él está en un estado de locura, alucinación, que lo hace pensar que su madre muerta está presente en todo su accionar, y que lo guía. La trama tiene dos etapas, los recuerdos de su niñez y su presente, que está plagado de muertes, dolor y locura. La evolución de Fénix en toda la película, es un proceso de metamorfosis y sanación.
Fénix ama a Concha, su madre, por ser su pilar protector en la infancia, pero a la vez le odia porque lo manipula en sus pensamientos. Cada vez que Fénix intenta establecer lazos con una mujer, las asesina porque la madre se lo ordena y le hace recordar como corrompieron, mujeres así. a su padre. Las pinta de blanco como símbolo de pureza o redención, y las entierra en un patio, y se lamenta en sus lechos de muerte por lo que hace.
El desarrollo de la película se basa en la búsqueda de la identidad de Fénix, el desvincularse del yugo de su madre muerta. El reencuentro con Alma, la mujer mimo, hace que cambie de rumbo su vida, le hace replantear su accionar, dejar de ser dependiente de los recuerdos, y aceptar la realidad para asumir sus actos y pagar las consecuencias, como un hombre libre de la locura.
La película termina con el siguiente salmo:
Hacia ti extiendo las manos;
me haces falta, como el agua a la tierra seca. *Selah
Satoshi Kon (今敏 Kon Satoshi) (Kushiro, Hokkaidō, Japón, 12 de octubre de 1963 - 24 de agosto de 2010) fue un reconocido director de películas de anime como Perfect Blue (1997), Millennium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003) y Paprika (2006), así como de la serie de televisión Paranoia Agent (2004). Todos sus trabajos como director fueron realizados por el estudio Madhouse, donde dirigió un equipo de trabajo junto con Rintaro y Yoshiaki Kawajiri. Sus filmes se caracterizaron por la complejidad psicológica, personajes realistas, los diseños de escenarios y la mezcla de la realidad y los sueños. Es considerado una de las más grandes mentes del anime.
Género: Animación. Terror. Thriller. Drama | Drama psicológico. Thriller psicológico. Cine dentro del cine. Internet / Informática. Animación para adultos. Película de culto.
Premios: 1997: Festival de Sitges: Mejor largometraje de animación.
Críticas: Aclamada ópera prima de la animación para cine del malogrado Satoshi Kon. Según el director Roger Corman, "un film sobrecogedor y poderoso. Si Alfred Hitchcock hubiera formado equipo con Walt Disney, hubiran hecho una película como esta." FILMAFFINITY
Mima es la cantante de un famoso trío musical japonés, llamado CHAM! es una idol. Pero su mánager decide apartarla del grupo al no tener muchas ventas de discos, y como es la más famosa del grupo, quiere que se convierta en actriz y darle un papel en una serie de televisión. Mima lo acepta, pero cae en una depresión al no sentirse a gusto con el cambio que ha dado su vida. Es una chica sumisa que hace lo que le dicen. Otro aspecto que agrava su situación emocional es el descubrir que su vida está siendo publicada en Internet por alguien que se hace pasar por ella, alguien la está vigilando. Y no sabe manejar la situación en que se encuentra.
Perfect Blue es una película de anime, thriller psicológico, que nos hacer dudar, a través de su personaje principal ¨Mima¨, de la realidad y la ficción. Nos muestra el terror y la angustia que vive Mima, nuestra protagonista, a lo largo de toda la trama, al no saber si los sucesos que ocurren en torno a ella son su culpa y/o perpetrados por ella. El descubrir sus sentimientos, encontrarse a sí misma es una pieza fundamental en toda la historia. Mima pierde su inocencia, el ideal para sus seguidores, entre los que se encuentra un fanático/acosador que intenta violarla y matarla.
El juego entre lo real y lo no real, es lo que más llama la atención de esta película, te deja pensando en cuál será el siguiente acontecimiento, ataque o muerte y quien es el posible asesino.
Mima participa en una serie policial para adultos, su personaje vive entre la realidad y la ficción, es un personaje dentro de un personaje, esto hace que se cuestione su propia identidad, vive una psicosis que la hace perder la noción de la realidad y esto se ve reforzado con sucesos que la hacen dudar de su cordura e inocencia.
¿Quién soy yo? Creo que la pregunta está presente en toda la trama, pero solo al final de la misma, tendremos una respuesta. Otro personaje que llama la atención es Rumi, asistente/socia? del mánager, antigua cantante idol, que no está de acuerdo con los cambios que hacen en la vida profesional de Mima, en casi toda la película, este personaje la apoya y consuela, pero al llegar al desenlace de la trama, nos damos cuenta que Rumi es la que se hace pasar por Mima, roba su identidad y la hace suya, manipula al acosador para que mate a las personas que son parte del cambio de Mima. Rumi tiene un trastorno de personalidad, cree ser la verdadera Mima y su objetivo es matarla para que la ¨intrusa¨ no siga dañando ¨su imagen¨ de cantante idol.
Perfect Blue es un thriller psicológico que nos hace reflexionar, retrata la búsqueda de identidad de Mima, que al final de la película termina diciendo ¨soy real¨. Satoshi Kon obtuvo un gran reconocimiento a nivel internacional con esta película, que quedó como referente del género psicológico por su complejidad argumental, y que atrapa al espectador de comienzo a fin.
“Hay días perfectos, donde no llueve (o quizás si llueva) en los que se detiene el tiempo (o quizás no se detenga) y sin querer miraste al cielo y te diste cuenta, que era Azul Perfecto….” (Perfect Blue por Takeuchi)
Tetsuya Nakashima (中島哲也 Nakashima Tetsuya) es un director de cine japonés.
Filmografía:
(1988) - Bakayaro! I'm Plenty Mad segmento 2
(1997) - Happy-Go-Lucky
(1998) - Beautiful Sunday
(2004) - Kamikaze Girls1
(2006) - Memories of Matsuko
(2008) - Paco and the Magical Picture Book
(2008) - Rolling Bomber Special
(2010) - Confessions
(2014) - The world of Kanako
Su película Confessions fue seleccionada como la representante de Japón al premio Mejor película de habla no inglesa en los Premios Óscar de 2010.
Título: Kawaki (The World of Kanako)
Año: 2014 / Duración:118 min. / País: Japón
Director: Tetsuya Nakashima
Guion: Tetsuya Nakashima
(Novela: Akio Fukamachi)
Fotografía: Shôichi Atô
Reparto
Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidou, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa
Productora: GAGA / GyaO / Licri
Género: Thriller. Intriga. Drama | Crimen. Familia. Secuestros / Desapariciones. Abusos sexuales.
Argumento
Akikazu Fujishima (Koji Yakusho) es un antiguo detective retirado que vive sus últimos días ahogados en el alcohol. Cuando su hija Kanako (Nana Komatsu), alumna número uno de su colegio y modelo de excelencia para todo el mundo, desaparece misteriosamente, se verá obligado a investigar lo ocurrido. Poco a poco irá descubriendo que la imagen de perfección de su hija es sólo una fachada que esconde una aterradora verdad.
Los personajes principales son un padre y su hija, el actor Kôji Yakusho y la actriz Nana Komatsu los representan con gran entereza y seguridad, en este mundo sórdido y podrido que ha creado Tetsuya Nakashima.
La Madre llama a su exesposo, un detective retirado, alcohólico y desequilibrado mentalmente para avisarle que su hija no ha regresado casa hace varios días y no la puede ubicar. La trama gira entorno a la extraña desaparición de la hija, Kanako, una chica que, según sus amigos y/o conocidos, es modelo a seguir, responsable y estudiosa. El padre empieza descubrir la verdadera personalidad de su hija, y lo que hace.
La película da saltos del presente al pasado, un estudiante enamorado de Kanako, maltratado por sus compañeros, los matones del instituto, que más adelante se vinculan con los yakuzas, los mafiosos, los policías corruptos, toda clase de personajes que le dan forma a esta historia.
Nada de lo que parece, Kanako es una chica que ha perdido el camino, se prostituye, usa drogas, prostituye y sodomiza amigos y, engaña a las personas con su cara angelical. No sabes sus intenciones, aunque lo intuyes.
Es una película colorida, y a la vez siniestra, con escenas crudas, de gran realismo, sangre y más sangre, la violencia está presente en toda la trama, alcohol, drogas, fiestas, prostitución, chantaje, perversión, manipulación, maltrato, bullying, violación y muerte; son los temas más resaltantes que en esta historia son vinculados de manera coherente, aunque en algunos casos sea poco realista. También lo que llama la atención es que algunas escenas están realizadas como dibujos animados, y pasan de la realidad a la ficción para explicar los sentimientos un personaje.
Es una película de suspenso, que nos hace reflexionar sobre la maldad que puede albergar una persona, como puede existir tanta crueldad, perversión y violencia en el mundo, los personajes retratan estos sentimientos y actitudes, se descubre un submundo lleno de accesos, violencia y muerte.
Lars von Trier (nombre de nacimiento Lars Trier; Copenhague, 30 de abril de 1956) es un director de cine y guionista danés. Junto a Thomas Vinterberg estableció las reglas del manifiesto Dogma 95. Destaca ante todo por su fuerte personalidad creativa y es considerado uno de los directores más innovadores y multidisciplinarios del cine actual, a pesar de la controversia de algunas de sus obras. Anticristo (título original: Antichrist) es una película del año 2009 escrita y dirigida por Lars von Trier. La cinta, protagonizada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg, narra la historia de una pareja que, tras la accidental muerte de su hijo, se retira a una cabaña en el bosque donde pasaron las últimas vacaciones con él. El largometraje se rodó en Alemania y Suecia. Es una coproducción entre Dinamarca, Alemania, Francia, Polonia, Suecia e Italia, aunque fundamentalmente danesa. Se estrenó el 18 de mayo de 2009 en el Festival de Cannes.
Esta película se divide de la siguiente manera:
Prólogo (tratamiento en blanco y negro). Fatalidad.
Capítulo 1: Tristeza: El ciervo con un feto atravesado (tratamiento en color). Dolor, sufrimiento por la perdida
Capítulo 2: Pena (Reina el Caos) El zorro que habla (tratamiento en color). Intentos de sanación, alucinaciones.
Capítulo 3: Desesperación (Genocidio) El cuervo (tratamiento en color). premonición de la fatalidad. Desequilibrios.
Capítulo 4: Los tres mendigos. Son los 3 animales unidos (tratamiento en color). Violencia y muerte.
Epílogo (tratamiento en blanco y negro). Tristeza, ansiedad y dolor.
La película comienza con un prólogo en blanco y negro, donde se desarrolla una escena de sexo entre los protagonistas y en paralelo la muerte de su hijo, que escapa de su cuna y cae por una ventana. Lo que más resalta en esta escena es la lentitud en que se desarrolla, vemos paso a paso como se produce este fatal accidente y el acto sexual, todo esto vinculado con la música, nos hace pensar en fatalidad antes de ver el desenlace fatal.
Al finalizar el prólogo, se trabaja con escenas a color, el primer capítulo desarrolla el sufrimiento, el duelo de la madre ante la pérdida de su hijo, el funeral, el apoyo que le da su marido, un terapeuta que la empieza a tratar, escenas de sexo y dolor, un tratamiento que no funciona; esto los lleva a realizar un viaje a una cabaña, en un bosque llamado el Edén, donde ella pasó tiempo con su hijo un año antes, mientras escribía su tesis sobre la cacería de brujas/ feminicidio. Ella se la pasa durmiendo en la cabaña y él se la pasa deambulando por el bosque donde se cruza a una cierva dando a luz una cría muerta. El Edén y la cierva con su cría muerta son, en mi opinión, símbolos que representan la paz que intentan encontrar, y la representación de la muerte de su hijo. El desarrollo del tiempo es progresivo, mientras avanza la pelicula, más símbolos aparecen.
En el segundo capítulo aparece un zorro que habla que luego ve desmembrado, aquí ya se aprecia el estado mental de los personajes, el desequilibrio en que se ven envueltos.
Relaciones sexuales sobre las raíces de un árbol, a modo de árbol prohibido del Edén, golpes, violencia, desequilibro emocional, todo esto retrata la degradación de la naturaleza humana a sus impulsos más primitivos. La locura se hace presente, se apodera del personaje femenino, que ya no puede controlar sus impulsos y empieza con las mutilaciones, así misma y al marido, lo ataca y lo deja inconsciente, escenas brutales, fuera de toda realidad.
En toda la película vemos simbolista religiosa, los pecados, la muerte, la culpa, el sacrificio, el dolor, y redención.
Esta película se centra en estos dos personajes que se contraponen y que según va evolucionando la trama, va cambiando sus voluntades, sus emociones, sus impulsos. Ella es el pilar de toda la película, sus emociones pasan de la tristeza, el dolor y el caos, cuando pierde el raciocinio y quiere matar a su marido. El epílogo de esta tragedia, es la redención para el hombre que sobrevive y se aleja de la cabaña, al subir la colina se ve cientos de mujeres yendo a su encuentro, almas borrosas que representan el genocidio a las mujeres en todos los tiempos.
Lars von Trier realiza esta película cuando atraviesa una profunda depresión, esto influyó mucho en la trama y enfoque que le dio; esta historia es extrema, dramática y contundente, nos conmociona, nos resulta ilógica, pero nos hace reflexionar.
Abbás Kiarostamí (Teherán, Irán, 22 de junio de 1940-París, Francia, 4 de julio de 2016) fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo iraní, considerado uno de los más influyentes y controvertidos del Irán postrevolucionario y uno de los más consagrados directores de la comunidad cinematográfica internacional. Cineasta activo a partir de 1970, Kiarostami había participado en más de cuarenta películas, entre cortos y documentales.
Título original: Bad ma ra khahad bord (El viento nos llevará / Le vent nous emportera)
1999, película dirigida por Abbas Kiarostami, con Behzad Dourani y los habitantes de la villa de Siah Dareh. El viento nos llevará ganó el Gran Premio del Jurado (León de Plata) en el Festival Internacional de Cine de Venecia.
La pelicula se centra en Behzad, que llega al pueblo de Siah Dareh con su equipo de apoyo para filmar/ fotografiar una ceremonia fúnebre de una anciana, el problema es que aun no muere y tienen que esperar a que esto suceda. Tienen poco tiempo para quedarse, en estos días de espera, recibe llamadas de la capital que lo instan a terminar ese proyecto y regresar. Como la señal no llega al celular, tiene que manejar hasta una colina cercana para poder comunicarse con el exterior. Traba una peculiar amistad con un niño que le sirve de guía y le lleva alimentos, la trama se desarrolla en este contexto de tedio y espera. Behzad, la mayoría de las veces, con cámara en mano, capta la realidad del pueblo, aunque esto no le gusta a los pobladores que le piden que no tome fotografías, lo apodan el ingeniero porque creer que esta buscando un tesoro en el cementerio que esta cerca a la colina donde va a recibir las llamadas. La espera genera impaciencia ene este personaje que hace recorridos por el pueblo, favores a otros, conversa con extraños que no salen en escena, encuentra un hueso, un fémur, que guarda como amuleto, todo se ve desde su punto de vista. La situación es ambigua y cíclica, todos los días espera noticias de la muerte de la anciana, que se resiste a hacerlo, para poder hacer su trabajo.
La película contrasta las vistas rurales y urbanas, nos habla sobre la dignidad del trabajo, aborda temas de igualdad de género y los beneficios del progreso, por medio de la estancia de un extranjero en un pueblo kurdo. La convivencia y la amistad, la tolerancia y la paciencia. Una característica inusual de la película es que muchos de los personajes se escuchan pero no se ven, son personajes que hablan en la película pero nunca se ven. La presencia de la muerte es una constante en esta pelicula, Kiarostami articula la ficción con la realidad.
POEMA HOMÓNIMO
En mi pequeña noche
¡Ay!
El viento tiene una cita con las hojas de los árboles
En mi pequeña noche
Amenaza la ruina
¡Escucha¡
¿Oyes la corriente de las tinieblas?
Yo miro distante esta felicidad
Apegada estoy a mi desesperanza
¡Escucha!
¿Oyes la corriente de las tinieblas?
Algo atraviesa la noche
La luna está roja y agitada
Y sobre este techo que a cada instante parece derrumbarse
Las nubes aguardan enlutadas
A derramar sus lágrimas
Un instante.
Y después nada
Detrás de esta ventana tiembla la noche
Y la tierra deja de girar
Detrás de esta ventana algo desconocido
Está pendiente de nosotros
¡Ah!, tú, verde, todo verde,
Pon tus manos como un recuerdo encendido
En mis manos amantes
Y como un cálido sentimiento de existencia
Confía tus labios a las caricias de mis amantes labios.
El viento nos llevará consigo.
Forough Farrokhzad, El viento nos llevará
El poema de la escritora feminista Forough Farrokhzad es muy relevante en la construcción de la película. Ocupa la parte central del film (aparece aproximadamente en el minuto cincuenta) y no sólo da título a la película, sino que representa el núcleo significativo más profundo de la misma, dado que al igual que ésta habla de la fugacidad, del transcurso del tiempo y de cierto postulado de gozar el día. Habla a cerca de que la vida y los avatares de la existencia son los que determinan que al final el tiempo acabe con nosotros. Es recitado por el personaje de Behzad, quien acude a la casa de la novia de un excavador que ha conocido en el cementerio. Y con estos versos intenta seducir a la joven, pretendiendo acercarse a ella aprovechando su categoría de hombre culto de la ciudad. Antes, declama otra poesía, algo más vital, titulada Tráeme Luz. La conjunción de todos estos elementos la convierte en una de las escenas más misteriosas de la película.
